El mundo vanguardista de Iris van Herpen

Con menos de 40 años, Iris van Herpen es la protagonista de una gran muestra en el Musée des Arts Décoratifs, Sculpting the senses (hasta el 28 de abril). Ciertamente, no es la primera vez que su ropa, que parece sacada de películas de ciencia ficción o libros de cuentos de hadas, hecha de agua, cristales y partículas fotónicas, al mismo tiempo tan emotiva y tecnológica, es expuesta en un museo desde el MET con la muestra Manus X Machina o en Alice Curiouser and Curiouser del Victoria & Albert. Pero una retrospectiva íntegramente dedicada a un diseñador vivo es un reconocimiento que el MAD (incluso en su forma anterior de Musée de la Mode et du Textile) había sólo concedido a Yamamoto en 2005, Dries van Noten en 2014, Martin Margiela en 2018 y Thierry Mugler en 2021. Y si queremos que sea una cuestión de género, entre las instituciones museísticas de las capitales occidentales de la moda, la única mujer diseñadora contemporánea centro de una exposición monográfica había sido Rei Kawakubo en el MET.

Después de una pasantía en Alexander McQueen, Van Herpen fundó su maison en 2007 a los 23 años, fusionando artesanía e innovación, empoderamiento femenino y responsabilidad ecológica. Definida por Harold Koda (experto del Anna Wintour Costume Center del MET), como “una artista conceptual cuyo medio es la ropa”, la diseñadora siempre ha subrayado la importancia de su trabajo como bailarina clásica: “La danza me empujó a considerar también el espacio alrededor del cuerpo como lo haría un bailarín: mi trabajo es transformar una coreografía tridimensional de micromovimiento en un vestido”, dijo en una entrevista anterior.

La exhibición, una completa inmersión en su proceso creativo, abarca 140 prendas y accesorios realizados en su taller de Ámsterdam, obras de arte contemporáneas y elementos naturales como corales y fósiles cuya intrincada morfología siempre le ha fascinado. El itinerario expositivo se divide en nueve áreas temáticas a partir de Water and Dreams, porque el agua, como elemento simbólico del origen de la vida, es el origen de muchos de sus trajes y un elemento recurrente en sus desfiles.

Su última colección, Carte Blanche, presentada en un video acuático de Julie Gautier, dialoga con Origins de David Spriggs, el mundo natural invisible al ojo desnudo reproducido en el siglo XIX en las planchas de Ernst Haeckel, la criatura marina invertebrada en vidrio de Leopold y Rudolf Blaschka, los corales y las flores de papel cortadas con láser de Rogan Brown, artista cinético que ha colaborado con Van Herpen desde 2021 con su traje hecho de pétalos de material reciclado derivado de desechos marinos. El icónico traje Skeleton combina con una obra de Heishiro Ishino, el vestido Cathedral con el gabinete gótico de Ferruccio Laviani. Y no es solo cuestión de afinidad estética o temática: también hay obras de artistas con los que Iris van Herpen ha colaborado directamente para sus colecciones como Casey Curran, coautor de piezas de pelo y looks cinéticos como Sphaera Mundi, presente en la instalación.

Con su aspecto de mujer gótica sacada de un libro del Duque de Berry, un lenguaje sugerente (casi diría poético), incluso en las redes sociales muy diferente al de la moda vulgar y espectáculos dignos de McQueen, desde Voltage (donde la artista Natalja Heybroek bailaba a través de descargas eléctricas que visualmente se traducen en pequeños destellos que parecían surgir de su cuerpo en movimiento), a Biopiracy (con los modelos encerrados en bolsas al vacío colgando del techo Lawrence Malstaf) hasta Hypnosis (con el gran halo cinético Omniverse creado por Anthony Howe), Iris van Herpen es una figura claramente diferente.

L’OFFICIEL: ¿Cómo surgió la idea de esta exposición?

IRIS VAN HERPEN: Es una muestra multidisciplinaria que mezcla moda, arte, ciencia y nace de una larga conversación con una curadora, Cloé Pitiot, quien conoce muy bien mi trabajo. Las ideas que seleccionamos vinieron de nosotras dos y de la curadora asistente Louise Curtis. Trabajamos junto al archivo del MAD y otros museos parisinos, así como con la Embassy of the Free Mind de Ámsterdam.

L’O: ¿Podrías darnos un ejemplo concreto de tu modus operandi?

IVH: Hay un artista coreano que me inspira desde hace tiempo, U-ram Choe, a quien me hubiera gustado presentar en la sección New Nature pero estaba preparando su propia exhibición y no podía prestarnos nada. Cloé me propuso, siempre desde el área del arte cinético, una dupla de artistas japoneses llamados Collective Mé, quienes se sumergieron en su trabajo y así surgieron dos instalaciones de luz para la exposición.

L’O: La muestra es una oportunidad para armar una retrospectiva de 16 años de creaciones. Desde el punto de vista de delinear itinerarios temáticos, ¿qué prendas definirías como destacadas?

IVH: Para mí están todas conectadas. Diría que el Water Dress fue el punto de inicio, no en vano dediqué las dos primeras secciones de la exposición al agua, porque es un elemento fundamental para mi obra, es el origen mismo de la vida. Después está el top Crystallization de 2010, mi primera creación realizada con una impresora 3D, que también está en la portada del catálogo porque marcó el inicio de mi trabajo con arquitectos y científicos (en este caso concreto con el arquitecto Daniel Widrig y MGX by Materialise), y fue adquirido por MAD. Los diseños Skeleton y Cathedral (creado en colaboración con Isaie Bloch, el primero en nailon impreso en 3D y adquirido por el MET, el vestido Cathedral impreso en 3D en poliamida y recubierto con un baño galvánico de cobre para parecerse a la madera quemada).

L’O: ¿Cómo nace una de tus colecciones?

IVH: De modo caótico, con mucha experimentación en materiales y luego en las modelos. Trabajo en diferentes prendas a la vez, porque cada una tiene su propio ritmo y se necesita un descanso antes de entrar en la fase final de confección de un vestido.

L’O: Un año colaboras con Björk y cada vez hay más celebridades, desde Beyoncé a Jennifer Lopez o Cate Blanchett, que prefieren tus trajes para videoclips y red carpets. Una forma ideal, especialmente en el escenario, de ilustrar plenamente la teatralidad y el movimiento de tus creaciones.

IVH: Me da mucho gusto trabajar en creaciones hechas a medida para artistas que admiro, pero cuando no hay tiempo para hacerlo utilizamos looks preexistentes del archivo.

L’O: El MAD recreó tu atelier.

IVH: Cada colección requiere mucha experimentación, tengo un archivo que contiene cientos de muestras resultado de años de experimentos y redescubrirlas para la exposición fue muy estimulante, como redescubrir un diario de la evolución de mi artesanía. Muchos de ellos no han sido utilizados, incluso me había olvidado de ellos y podrían convertirse en el punto de partida de futuras creaciones.

L’O: Recuerdo tus creaciones para el empresario teatral Jordan Roth en la Met Gala. ¿Tienes también una amplia clientela masculina?

IVH: Tengo algunos clientes, obviamente hombres muy libres, muy abiertos en su percepción del significado de la feminidad y la masculinidad.

L’O: Al presentar tu último show te referiste a una ciudad flotante en Corea del Sur.

IVH: El tema del agua, la traducción de su inmaterialidad que es movimiento y transformación, es fundamental para mí. El video de Julie Gautier que habla de la colección fue filmado en agua, la colección en sí está hecha para ser presentada en agua. Vivo en Ámsterdam y los Países Bajos se han ocupado de la gestión del agua a lo largo de su historia: me interesan las soluciones relacionadas con las ciudades cercanas al mar, cuya existencia misma se ve amenazada por el aumento del nivel del océano.

L’O: ¿Hay un fotógrafo con el que ames trabajar?

IVH: Nick Knight, su modo de trabajar es similar al mío. Me gusta Sølve Sundsbø, amo a Tim Walker, Albert Watson, Jean-Baptiste Mondino...

L’O: Después de París la exposición va a....

IVH: Brisbane, al Museo de Arte Contemporáneo. Abrirá en junio de 2024 con algunos cambios respecto a París, queremos incluir más arte local y ya estoy trabajando con el curador. Además, el edificio es diferente, con diferentes proporciones y por eso habrá que repensar todo. Posteriormente la exposición irá a Singapur, luego a Rotterdam y cada museo requiere un proyecto diferente.

L’O: Cada vez te piden más colaboraciones con otras marcas. ¿Alguna vez has pensado en tu propia fragancia? Parece un paso lógico, dado que, debido a su difusión, el perfume envuelve el cuerpo con un aura comparable a la creada por la ropa en movimiento.

IVH: Lo he pensado, tengo que encontrar el compañero adecuado y la nariz adecuada, es un capítulo que quiero explorar, pero no hay nada en proyecto por el momento.