The Lobsterman
El escocés Philip Colbert tiene el apodo de “el ahijado de Andy Warhol”. Sus obras más conocidas, las langostas de dibujos animados, cobran vida en todas las formas y materiales y están conquistando museos e instituciones de arte internacionales.
El arte puede afectarnos de muchas formas distintas; ya sea que nos toque a nivel estético-formal o a nivel emocional, su tarea es dejar una huella. Es el caso de la langosta gigante flotante del artista Philip Colbert en el Gran Canal de Venecia en 2022 durante la Bienal; quizás sea un poco el mismo principio por el que Duchamp eligió un retrete, Manzoni una caja de lata o Warhol una sopa del supermercado. Porque hay que recordar que el arte en la era de la imagen digital debe, citando a Mersch, "aparecer, presentar, circunscribir, disponer, representar, contrastar, diferenciar, mostrar, testimoniar y documentar". Y el uso de objetos o temas aparentemente anónimos hace que el arte sea más accesible, popular y democrático. The Lobster Man, con sus langostas de dibujos animados de color rojo brillante, logra definir imágenes claras y surrealistas, en contextos culturales específicos, garantizando al espectador una diversión infantil. Sus obras han sido expuestas en muchos museos importantes: Museo Provincial de Hunan (China), Centro Sejong para las Artes Escénicas (Seúl), Museo de Arte Moderno (Shanghái), Galería Saatchi y Tate Modern (Londres), Museo Van Gogh (Ámsterdam) y en Italia en el MANN de Nápoles, con una monografía tras una primera instalación pública en la ciudad, "La casa de la langosta".
L'OFFICIEL: Empecemos por MANN, en Nápoles. ¿Cómo surgió la exposición “La casa de la langosta”?
PHILIP COLBERT: Mi persona creativa es una langosta de dibujos animados. Siempre me han interesado las langostas representadas en la historia del arte, son un símbolo de mortalidad, debido a su color rojo, incluso si están representadas vivas. Una especie de muerto viviente. Hace años vi una imagen de un mosaico de Pompeya que representaba una escena marina con un pulpo y una langosta primitiva entrelazados. Creo que es una de las primeras obras maestras con una langosta como protagonista, y fue esclarecedora para mí. El año pasado, durante un viaje a Nápoles, visité el MANN y me llamó tanto la atención el fresco de Alejandro Magno que quise tener mi propia exposición allí.
L'O: Te apasiona el arte antiguo e Italia es un país con un rico patrimonio cultural. ¿Hay algún artista o símbolo que te haya influenciado especialmente?
PC: Me llamó la atención el Panteón. Cuando lo vi por primera vez pensé que era una nave espacial que aterrizó en la Edad Media o en la antigua Roma. Luego está De Chirico, en sus cuadros es como vivir entre las ruinas del pasado. De su obra tomé todos los elementos arquitectónicos en ruinas que agrego a mis obras más pop. Finalmente Canaletto, mi instalación en Venecia en 2022, una langosta flotante de 20 metros sobre una caja de mercancías, fue una interpretación de su obra.
L'O: ¿Cuándo nació la primera langosta?
PC: Los primeros eran solo garabatos (bocetos), yo tenía veintitantos años. Los garabatos se convirtieron en dibujos y, con el tiempo, en una especie de firma personal. Luego, poco a poco comencé con vestidos color langosta, también me casé con un vestido rojo personalizado con pequeños crustáceos estilizados. Entonces la gente empezó a llamarme "The Lobsterman". Al hacer un autorretrato en 2016, acabé dibujando de nuevo una langosta, a lo que siguió en 2017 mi primera gran exposición con el mismo personaje protagonista, en la que quedé definitivamente reflejado. Fue y es mi versión creativa y artística, cuando me miro al espejo soy carne, pero también soy el lenguaje que construí. Pasé de tener un símbolo a ser ese símbolo.
L'O: ¿Un alter ego?
PC: Sí, supongo que lo creé de forma abstracta, un avatar que se transformó en mi verdadera personalidad artística.
L’O: Hablando de avatares, la tecnología, la ciencia y la IA están influyendo significativamente en el mercado del arte…
PC: La tecnología ha sido muy transformadora de lo que el arte puede ser y es hoy. Los medios digitales han influido en la estética, la filosofía y el significado mismo del arte. Desde hace años vengo construyendo un metaverso llamado Lobsterópolis, nacido como una galería digital. Ahora es mucho más, me permite crear experiencias artísticas únicas en las que el espectador también puede interactuar directamente. Es como si el arte se convirtiera en música pop: se crean lanzamientos de NFT (non-fungible token), se ponen en línea, se venden y se crea una comunidad. La última vez que el mío se agotó en cinco minutos, fueron casi 8 mil, un poco como lanzar un álbum de música. Este progreso constante me lleva a ponerme cada vez menos límites: estoy a punto de poner en marcha un proyecto de investigación científica sobre la langosta, en el que gracias a un sistema de cámaras será posible seguir procesos y experimentos directamente desde casa. La mezcla de arte, ciencia y espacio digital son mi terreno fértil para la experimentación.
L'O: Dicho esto, el público en general sigue siendo fiel a las exposiciones y los museos, viendo el arte digital como una categoría de segunda clase. ¿Qué piensas de eso?
PC: El arte es como un pastel. El arte digital es solo una porción del pastel. Hay a quienes les gusta y a quienes no. Hay quien compra un cuadro y lo cuelga en su casa y quien compra un archivo multimedia y reproduce la obra en la televisión. Lo bueno del mercado NFT es que le ha dado comercialidad al arte digital, haciéndolo más relevante. Hoy en día los artistas tienen la oportunidad de explorar todas las ideas y mundos posibles hasta el punto de trascender las fronteras metafísicas.
L'O: ¿Cómo vives tus universos como artista?
PC: Creo mucho en el arte y su capacidad de reinventar el mundo; un artista puede implantar visualmente su propio universo en la realidad y redefinir un mundo dentro del mundo, incluso en un instante. Algunos lo han hecho de manera excelente: Niki de Saint Phalle, con el Jardín del Tarot de Capalbio, creó un ambicioso microcosmos de edificios y esculturas de fantasía. Keith Haring transformaba en arte todo lo que tocaba, ya fuera encerrado en casa o libre en la calle.
L'O: Tus obras son coloridas, superpop y divertidas, accesibles y apreciadas por un público muy amplio, en el que también se incluyen los niños. ¿Estás interesado en este aspecto?
PC: Los niños tienen un espíritu artístico extraordinario e identifican su sentido de individualidad, expresión, asombro, optimismo y belleza con el acto mismo de la creación. Es un gran poder y me gusta mucho la idea que mi trabajo también pueda interactuar con ellos, también gracias a su aspecto infantil, e inspirarlos de alguna manera. Por otro lado, es rico en simbolismos, juegos lingüísticos y referencias que espero que los adultos y profesionales del sector puedan entender y apreciar.
L'O: ¿Otros proyectos?
PC: A finales de 2023 se renovó la colaboración con la selección de fútbol de la Roma, con una cápsula de dos camisetas, una sudadera y un juguete. Trabajar con la AS Roma fue divertido: tuve la oportunidad de llevar una de mis langostas gigantes al Olímpico, personalizar las camisetas de los jugadores y todos los dispositivos, creé videos para las pantallas del estadio, ideando efectivamente una actuación artística a gran escala que involucró una audiencia de 70 mil personas. Esto es lo que el arte puede hacer.
L'O: En una vida paralela, ¿qué serías?
PC: Cuando era niño quería ser arqueólogo. Todavía tengo esta gran pasión por la historia y sus artefactos. La exposición en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles fue una confirmación. La arqueología nos permite redefinir el futuro descubriendo el pasado, pero también imaginar y fantasear con civilizaciones, mitos y leyendas antiguas. Mi otro deseo era ser agricultor, porque amo la naturaleza, pero no creo que hubiera sido un buen agricultor.
