La nueva ola del womenswear
Si las multinacionales del lujo siguen siendo reacias a nombrar mujeres para encargarse del frente creativo de sus marcas, hay muchas fundadas por diseñadoras cada vez más relevantes en la escena de la moda internacional. Algunas son muy jóvenes, otras han acumulado años de experiencia en diversas marcas. Con diferentes estilos y procedencias, todas sostienen un discurso feminista centrado en la sostenibilidad y el upcycling.
CHEMENA KAMALI
Chloé
La diseñadora de origen alemán Chemena Kamali es la directora creativa de la marca fundada por Gaby Aghion desde octubre de 2023, sucediendo a Gabriela Hearst. “Mi corazón siempre ha estado en Chloé, desde que entré por sus puertas hace veinte años”, dice. “Volver es algo natural y muy personal. Me siento honrada de asumir este rol partiendo desde la visión de Gaby Aghion y Karl Lagerfeld, quienes han definido la historia de la maison desde el principio. Espero capturar ese vínculo emocional y el espíritu de nuestros tiempos”. En el ADN de Chloé existe el deseo de representar una marca para una mujer que respira los tiempos actuales, abarcando una sensibilidad femenina no estereotipada. Después de la dirección creativa de Karl Lagerfeld (1992-1997), la maison dio luz verde a una serie de direcciones creativas, desde Martine Sitbon a Stella McCartney, seguidas de Phoebe Philo, Hannah MacGibbon apoyada por Paulo Melim y luego Clare Waight Keller, quien le devolvió a la marca el enfoque bohemio, hasta Natacha Ramsay-Levi, quien restableció su relación con el arte, mientras Gabriela Hearst estuvo atenta a la ética verde. Ahora es el turno de Kamali –nacida en 1981–, graduada cum laude del Master de Arte en Moda de Central Saint Martins en Londres, el año 2007, quien comenzó en Chloé junto a Phoebe Philo y se convirtió en 2013 en directora de diseño junto a Clare Waight Keller, antes de dejar la marca en 2016 para transformarse en directora de diseño del prêt-à-porter femenino de Saint Laurent con Anthony Vaccarello.
—Simone Vertua.
PHOEBE PHILO
Phoebe Philo estudió en Central Saint Martins, se unió a su amiga Stella McCartney en Chloé como primera asistente y luego se convirtió en su directora creativa desde 2001 a 2006, año en el que se retiró. “No estaba viviendo una vida real. Fue lo más honesto que podía hacer, por mi propia integridad y por mi familia”. Dos años después aceptó la dirección creativa de Céline bajo la condición de poder transferir la oficina de diseño a Londres. En poco tiempo la transformó en una marca de culto, sin proponer desfiles de moda extravagantes, prefiriendo un enfoque centrado en el producto. Emblemáticas fueron la campaña Resort 2015 con Joan Didion, la S/S 2017 inspirada en las antropometrías de Yves Klein, el internacional Azul Klein y los detalles atrevidos aplicados en siluetas y accesorios. “Espero que la ropa tenga valor. Está bien hecha y las telas son maravillosas. Creo que durarán, como inversión”, declaró en 2010. Indicada por conocedores de la moda como la marca a llevar, Phoebe Philo logró resucitar la maison adjudicándose en 2010, por segunda vez, el premio British Designer of the Year en los British Fashion Awards, y el año siguiente el premio de los CFDA Fashion Awards. Volvió después de seis años con su marca homónima, con la idea de presentar dos colecciones atemporales por año bajo el concepto de “Edit”, compuesto de drops espaciados entre meses, con el intento de mantener un equilibrio entre producción y demanda. “Frente al impacto ambiental nuestra atención se centra en cosas materiales como el consumo excesivo, los desperdicios y la cadena de suministros. Esto significa producir menos”. El Phoebe Philo Studio tiene sede en Londres y es dirigido junto a su marido, el galerista Max Wigram, bajo el apoyo de LVMH en el rol de accionista, porque, como dice Arnault, “es una de las diseñadoras más talentosas de nuestros tiempos”. El 31 de octubre de 2023 lanzó su primer drop con “Edit A1”, 150 piezas plasmadas en un lookbook a cargo de Talia Chetrit y con un casting donde destaca Daria Werbowy, la preferida de Philo. “Estar en mi estudio y volver a dibujar una vez más fue emocionante y gratificante”, dijo al sitio especializado Business of Fashion. “Quiero volver a estar en contacto con mi audiencia. Ser independiente y experimentar bajo mis propios términos”.
—Simone Vertua.
LOUISE TROTTER
Carven
En 1945, Marie-Louise Carven fundó su propia maison con el objetivo de vestir a una mujer petite. “Fue pionera del prêt-à-porter, del marketing y del desfile visto como experiencia visual. Le puso el sello de su personalidad, su espíritu juvenil y su amor por la naturaleza”, cuenta Louise Trotter, primera directora creativa desde su fundación, quien presentó en la fashion week de París la colección S/S 2024 poniendo nuevamente a la casa de moda francesa en movimiento, inactiva desde 2018. “Tengo la intención de evolucionar y reconstruir lentamente la casa para que el público la ame. Con la fundadora comparto el deseo de crear ropa bonita y útil. Ropa gratificante que inspira confianza, confeccionada bajo un enfoque pragmático y sin dramas”. La diseñadora británica, nacida en Sunderland en 1969, después de estudiar Diseño de Moda en la Universidad de Newcastle, trabajó en Whistles y se reubicó en Estados Unidos para trabajar en Calvin Klein, Gap y Hilfiger. De vuelta a Londres estuvo en Jigsaw, Joseph y Lacoste, donde exploró la innovación a través del upcycling. Su estilo es inteligente, sobrio, bajo la insignia del less is more. Su intención es “centrarse en el vestuario y las figuras femeninas que lo visten, creando una idea de comunidad, en la que las mujeres pueden ser parte de una historia compartida donde se celebran la conciencia y el optimismo”. Detrás de sus inspiraciones está la artista Alison Watt, con quien colaboró en la invitación a su primer desfile de moda, el cuadro Warrender (2016), “Una página en blanco doblada en cuatro”.
—Simone Vertua.
JEZABELLE CORMIO
Cormio
“Mi pasión por la moda nace mi primer día de primaria; mis padres me vestían de una manera que no entendía y no me representaba. Es como si nunca me hubiera preguntado si quería dedicarme a la moda o no. Siempre he tenido obsesiones y crisis con respecto a los objetos y la ropa”, dice Jezabelle Cormio. Después de estudiar en la Royal Academy of Fine Arts de Amberes, en 2019 fundó su propia marca. Su etapa de adolescencia entre 2001 y 2006 se convirtió en una era clave capaz de contar su imaginación, desde películas como Angela’s Ashes hasta Vivienne Westwood. En su obra imagina el vestuario de una mujer a la que nunca se le pide que explique su feminidad. “Hablo de posgénero porque hablo de una mujer que hace lo que quiere, no de una mujer que se priva de algo para ser tomada en serio. Las mujeres parecen gastar mejor su dinero como consumidoras que como empresarias, gerentes o directoras creativas. La disparidad de género en los roles de dirección creativa parece estar vinculada a la idea preconcebida de genio creativo/genio masculino. Para que este mecanismo de espejo se interrumpa es necesaria más confianza en la figura de la diseñadora. Otro director creativo caucásico solo contribuirá a la perpetuación de este juego”.
—Donato D’Aprile.
MARTINE ROSE
Inspirada por sus raíces jamaicanas-británicas y su profundo interés por la música y cultura underground londinenses, Martine Rose es mucho más que una de las primeras diseñadoras en llevar a la pasarela ropa deportiva y sastrería de inspiración vintage. Principalmente apreciada en el horizonte del menswear, con fans como Kendrick Lamar y Justin Bieber, Martine ha llegado a crear colecciones más femeninas y colaborar con Nike para la que es hasta la fecha la reinterpretación más convincente de un modelo histórico de los años 90, las Nike Shox. En las manos de Rose, estas zapatillas lanzadas en 2022 se han transformado en zapatos de plataforma y ahora son un complemento de moda de culto sin distinción de género. “No me gusta hablar de genderless, es una palabra asexual”, se adelanta a precisar. La estética única de Martine Rose se basa en una investigación de proporciones y siluetas, texturas y construcciones sorprendentes que remiten a la calle, a esos contextos típicos de las comunidades londinenses donde creció la diseñadora. Siempre existe una tensión entre atracción y resistencia a los códigos aceptados de la vestimenta masculina. “Me encanta romper las reglas, y en la ropa de hombre siempre han existido muchas”. Rose estudió en Middlesex University y lanzó su marca en 2007, en una época en la que, dice, “nadie hacía ropa para hombres. Todos me decían, ¿qué estás haciendo?". Y el apoyo pronto apareció: Kim Jones, director creativo de Dior Homme y Fendi, la ayudó y motivó a seguir. También fue fundamental Demna, director creativo de Balenciaga, mentor de Martine desde que la diseñadora fue consultora creativa de su línea masculina entre 2015 y 2018. Entre 2017 y 2019 estuvo entre las finalistas del premio LVMH y del Andam Award, mientras en 2023 llega su rol como directora creativa invitada de Clark’s, antes de llegar a Florencia para Pitti Uomo en calidad de diseñadora invitada a la edición de enero de 2023. Aquí la diseñadora puso énfasis en el tema de la diversidad y la integración, un tema que le interesa desde niña: en lugar de elegir modelos profesionales, el 90% del casting se realizó en la calle, como ocurre en todos sus desfiles.
—Giorgia Cantarini.
YOON AHN
Ambush
“Nací en Corea y crecí en Tokio, donde la cultura del uniforme es muy popular”, dice Yoon Ahn, fundadora y directora creativa de Ambush. “Aunque nos vemos obligados a usar uno desde temprana edad, nuestra individualidad todavía encuentra una manera de expresarse”. Estuvo en Milán para mostrar la colección S/S 2024 de Ambush, la que gira íntegramente en torno al tema del uniforme, combinando elementos de sastrería con detalles más casuales o derivados de la ropa deportiva. ¿Algunos ejemplos? Los cordones de unas zapatillas de fútbol para cerrar una minifalda o las aplicaciones que se inspiran en los rosetones de premios deportivos. Muchos de los artículos de la colección, que renueva el amor de Ambush por los lazos, correas y hebillas de todas las formas y tamaños, fueron creados con el objetivo que puedan ser usados tanto por hombres como por mujeres. “Me siento superorgullosa de estas piezas –dice–, la ropa exterior es parte de esto (pero no solo), compuesta principalmente por abrigos y chaquetas, que funcionan muy bien tanto en hombres como en mujeres”. En la capital de Lombardía, Ambush debutó sobre las pasarelas en 2021. ¿Existe el deseo de volver a los desfiles de moda? “Si y no... Déjame explicarte mejor, la base de todo para mí es la narración. Si incluye la necesidad de llevar la colección a la pasarela, entonces se hará”. Aquella colección –la F/W 22–, vista en Milán, ¿en qué se inspiraba? “Todo partió con la escenografía... al centro de la escena había una esfera, un planeta ideal alrededor del cual desfilaron las modelos, como cuerpos celestes”. El movimiento es intrínseco a la experiencia de vida de Yoon Ahn, quien después de Corea y Japón vivió en varias ciudades de Estados Unidos. Mientras estudiaba en la Universidad de Boston conoció a su futuro marido, el rapero Verbal. Ella asistía al curso de Diseño Gráfico y él al de Filosofía. En 2002 fundaron la plataforma Ambush, entre 2004 y 2008 lanzaron dos líneas de joyería: la primera de alta joyería, Antonio Murphy & Astro, la que dio la vuelta al mundo tras ser vista en Kanye West, y la segunda es Ambush, dirigida a un público más amplio. Un estilo agresivo y punzante –en definitiva, underground –, compuesto por pulseras en forma de banda o formadas por varios alfileres unidos, gargantillas y cadenas de oro de tamaño gigante, o sudaderas de punto dorado tejidas a mano. El prêt-à-porter llegó en 2015. ¿Cómo? “Solía llevarme mis joyas y no me gustaba la ropa que usaban. Yo diría que fue una necesidad". Amiga de Kanye West, Pharrell Williams, A$AP Rocky y Kim Jones, entre 2018 y 2022, tras el nombramiento de este último como director creativo de Dior Men, diseñó las joyas masculinas de la casa de moda francesa.
—Alessandro Viapiana.
HILLARY TAYMOUR
Collina Strada
Collina Strada no es solo una marca de moda neoyorquina, es una plataforma de sensibilización para los temas sociales. Fundada por Hillary Taymour en 2008 en forma de etiqueta de accesorios que se expandirá en 2012 a una colección genderless, Collina Strada tiene su corazón en la sustentabilidad. “Cuando era niña pasaba la mayor parte de mi tiempo rodeada de naturaleza. Creo que si amas la vida, entonces amas la naturaleza, y ahora mismo un diseñador no tiene realmente la opción de ser sustentable o no; es necesario y debería ser la norma”, sostiene Taymour. Las colecciones están fabricadas predominantemente con materiales reciclados y ecológicos, mientras la producción se ubica exclusivamente en Nueva York para reducir las emisiones de CO2. Y a pesar de las mil complejidades ligadas al tiempo y a la presión de un sistema que incita a la sobreproducción, Taymour intenta constantemente encontrar una manera de crear un diseño vanguardista y consciente que trascienda las tendencias. Los looks de Taymour están imbuidos por una actitud intrépida y fluida, reinventando clásicos como vestidos con corsé en materiales no restrictivos y detalles inesperados en prendas de punto suaves bordadas, jerseys elásticos y tejidos veganos, con una dosis de humor y una paleta de colores brillantes. Temporada tras temporada, el objetivo de Collina Strada sigue siendo el mismo: impulsar la acción y abordar las problemáticas globales, desde el racismo hasta la política. “Estamos en un estado de cambio crucial en este momento y cuanto más hagamos, más podremos influir en otros para que tomen medidas. Mientras sonreímos y soportamos las desgarradoras condiciones geopolíticas en las que el mundo arde y los derechos reproductivos de las personas trans y los derechos humanos en general son amenazados, apelamos a la fuerza de la suavidad para defendernos. Profundicemos para reconectarnos con la energía femenina universal, recordándonos que hay audacia en la delicadeza, poder en la belleza y determinación en la feminidad". La última colección F/W fue una oda al mundo animal, titulada Please don’t eat my friends; detalles de fantasía como orejas o colas de conejo fueron confeccionados con organza e hilo reciclado recuperado de la colaboración con la marca italiana de prendas de punto Vitelli, mientras los cuernos que se arquean sobre la parte superior son de satén. Además de estar nominada a los premios CFDA, en 2021 Taymour formó parte de Gucci Vault, el portal conceptual donde se pueden encontrar piezas vintage reacondicionadas de Gucci y una selección de diseñadores emergentes por descubrir.
—Giorgia Cantarini.
NICKY ZIMMERMANN
Zimmermann
Nicky Zimmermann fundó la marca en Sídney junto a su hermana Simone en 1991, centrándose en colores vibrantes, patrones únicos y un encanto vintage que gusta a Nicole Kidman y Kendall Jenner. “Crecí rodeada de telas y moda. Mi abuela, mi tía y mi madre creaban su ropa con habilidad, transmitiendo una pasión que llevo conmigo desde pequeña”, dice Nicky. Luego de graduarse, completó sus estudios en Diseño de Moda en East Sydney Tech y trabajó con un diseñador australiano. “Empecé a hacer ropa en el garaje de mis padres y luego la vendía en Paddington Markets, en Sídney. Mi primera tienda nació de esta experiencia". La inspiración viene “de las personas, la naturaleza y los paisajes australianos. En cuanto al arte, por ejemplo, nuestra colección F/W 2023 está influenciada por las obras del artista australiano Rupert Bunny. Quiero que la alegría que sentimos durante el proceso creativo se refleje en nuestra ropa. Nos comprometemos a ofrecer lo mejor, esperando que nuestros clientes sientan ese toque especial de dedicación”.
—Donato D’Aprile.
CATHERINE HOLSTEIN
Khaite
Solapas impresionantes, cortes oversized en prendas exteriores, colores fríos con destellos de audacia tonal que se centran en la sinuosidad del cuerpo femenino. Al mismo tiempo familiares y nuevas, las imágenes de Khaite son un estudio de contrastes. No es un capricho formal sino una necesidad práctica. “En Nueva York toda mujer debe enfrentar la vida con audacia”, declaró Catherine Holstein en el backstage de su desfile S/S 2024, “un principio para mí fundamental en la colección”. ¿Cómo combinar sensualidad y la necesidad de llevar ropa práctica? ¿Cómo mezclar feminidad y formalidad? El enfoque estilístico de los años 80, que contemplaba la aplicación de líneas, códigos y materiales tradicionalmente masculinos en la moda femenina, ya no es suficiente. Las mujeres quieren desafiar el sistema, romper moldes y negarse a emular la moda masculina para ganar aceptación. “Ahora mismo las mujeres necesitan una voz que celebre su fuerza”. Y el éxito de Khaite, fundada en Nueva York en 2016, ha demostrado cuánto buscan las mujeres marcas que sepan interpretar esta línea de pensamiento. El primer desfile F/W 19, inspirado en el movimiento feminista de los siglos XIX y XX, combina los pilares de Khaite (jeans, suéteres, camisas), con vestidos de noche con grandes mangas voluminosas, confeccionados en una mezcla de popelina y tejidos. Catherine Holstein, californiana, estudió en la Parsons School of Design de Nueva York. La venta de su colección de tesis a Barneys marca el éxito de su marca homónima, la que sin embargo cierra después de cinco años. Luego de varias experiencias en Gap, Vera Wang, Maiyet y The Elder Statesman, lanzó Khaite, inmediatamente apoyada por celebridades como Katie Holmes, Hailey Bieber, Kaia Gerber y Dakota Johnson. Ganó el premio CFDA como Diseñadora de Ropa Femenina del Año dos veces, en 2022 y 2023.
—Alessandro Viapiana.
NENSI DOJAKA
Cada pieza de Nensi Dojaka es de cierta manera una contradicción. “Mis proyectos giran en torno a la yuxtaposición de adjetivos”, afirma la diseñadora, quien define su estilo como “fuerte y poético”. La transparencia fluye hacia los bordes afilados de un sujetador triangular; recortes inesperados dibujan sensuales escotes en tela más gruesa; capas y capas de tul forman bordes opacos en una parte superior transparente. La topografía patchwork de un vestido utiliza crepé de lana sólida, satén de seda brillante y georgette con un tacto impalpable. Desde la colección de Tom Ford de 1998, el "efecto lencería" no había sido revisitado en clave contemporánea, y es precisamente en los años 90 cuando la estética de la diseñadora albanesa encuentra inspiración. “Cuando era joven, nunca soñé con convertirme en diseñadora de moda. Fue algo que se desarrolló de forma muy natural". Cuando se mudó al Reino Unido desde Albania, primero estudió bellas artes y luego obtuvo una maestría en prêt-à-porter en Central Saint Martins, donde descubrió su verdadera vocación: la moda. “Durante mis estudios me gustaba trabajar en pequeños detalles. Creo que por eso comencé con lencería". La primera colección S/S 2020 de Nensi, con la que inmediatamente se hizo notar entre el público en general, fue comprada exclusivamente por el minorista electrónico SSENSE e incluía microsujetadores, minifaldas con cinturones fruncidos, vestidos lenceros con volantes, todo en una paleta contrastante de rosa empolvado y tonos oscuros. La consagración llega con las primeras apariciones de celebridades, donde Bella Hadid lució el primer look entallado de la diseñadora con motivo de los MTV VMA 2020: top transparente con el característico sujetador triangular y pantalones holgados. También ganadora del premio LVMH en 2021, la colaboración con N° 21 llega en 2022 para una colección cápsula en un solo color: negro. “Siempre soñé con colaborar con Alessandro, porque desde el principio fue una gran fuente de inspiración para mí”.
—Giorgia Cantarini.
PELAGIA KOLOTOUROS
Lacoste
“Fuckers”. Esa fue la reacción (súper) explícita en redes sociales de Pelagia Kolotouros (51), luego que saliera la sentencia que abre la vía para la penalización del aborto en Estados Unidos. A la directora creativa de Lacoste, nacida y criada en Queens, en el seno de una familia de origen griego, le gusta decir lo que piensa. Antes de llegar a Lacoste a principios de 2023, colaboró con varias marcas, entre ellas Calvin Klein, de 1997 a 2014, hasta convertirse en directora de diseño de la línea masculina. Luego fue el turno de Yeezy, donde en 2017 se unió a Kanye West en la colaboración de la marca con Adidas. “De Kanye West aprendí a mezclar opuestos, él siempre buscaba otro punto de vista. Me dejó sin palabras. Seguía diciéndome a mí misma, ‘Dios mío, nunca antes había pensado en eso’". Entre 2019 y 2023, Kolotouros estuvo al frente de The North Face, y mientras tanto sigue en las colaboraciones que Adidas tiene con Ivy Park, la línea athleisure lanzada por Beyoncé y con Pharrell Williams. Frecuenta un ambiente hip-hop que ha forjado su universo estético muy específico. Expuesta a diferentes tipos de feminidad, dice que “es fantástico intentar resumirlas en mi estética personal. Si Kanye West me enseñó a pensar de una manera poco convencional, la experiencia previa en Calvin Klein fue ciertamente más tradicional”. Aunque vemos su primera colección para Lacoste dentro de los primeros meses en 2024, Pelagia Kolotouros mostró un adelanto durante las celebraciones del 90 aniversario de la marca en la Semana de la Moda de Nueva York y en conjunto con el US Open, en un drop llevado por mujeres que son verdaderas musas de Kolotouros, como la tenista Venus Williams. Al mismo tiempo, destaca la importancia de la relación privilegiada entre Lacoste y el tenis, y la necesidad de actualizar sus contenidos. “Lacoste tiene una historia muy rica; casi me siento como una arqueóloga cuando visito sus archivos”. Su misión es restaurar la elegancia original de la marca y celebrar los códigos estéticos del tenis a través de ella, añadiendo un toque de sensual feminidad. Como el vestido negro de Venus Williams, cuya silueta ajustada y cuello estilo polo revelan la piel mediante cortes láser. O el blazer blanco que lució Irina Shayk, inspirado en los orígenes de la marca, cuando las jugadoras saltaron a las canchas de tenis luciendo creaciones a medida.
—Alessandro Viapiana.
GABRIELA HEARST
Gracias a su enfoque sostenible, Gabriela Hearst ha tenido un impacto real en la moda, tanto en sus tres años bajo la dirección creativa de Chloé, como a través de su marca homónima, fundada en 2015. Uruguaya que vive en Nueva York, crea una “moda honesta” que promueve la producción responsable, hasta convertirse en un referente de moda sostenible. Durante su periodo como directora creativa en Chloé, la marca obtuvo la certificación B Corp, la que mide el comportamiento social y ambiental de la compañía, convirtiéndose en la primera casa de moda de lujo europea en recibir dicho reconocimiento. Desde el lanzamiento de su línea estableció una alianza con Manos del Uruguay, una cooperativa sin fines de lucro formada por artesanos de zonas rurales que producen todas sus prendas tejidas, y dos años más tarde introdujo una particular tela plateada con la que forra chaquetas y abrigos para evitar que la radiación del teléfono móvil llegue a los órganos reproductivos femeninos. Hearst utiliza principalmente restos de cachemira y seda con el objetivo de dejar de utilizar nuevos materiales. En septiembre de 2019 introdujo el primer desfile de moda carbono neutral para presentar su temporada S/S 2020.
—Donato D'Aprile
FENG CHENG WANG
La china Feng Chen Wang ha llamado la atención por sus colaboraciones con Nike y Ugg, además de un enfoque vanguardista: sus prendas son una combinación de artesanía tradicional china, estética contemporánea y sensibilidad futurista; no es casualidad que su modelo a seguir sea Rei Kawakubo. Su pasión por la moda nació de la pasión por el arte. "La ropa es esencialmente un arte ponible y mi trabajo, parte de la comunidad, la cultura y la tradición", lo que se traduce en prendas que son a la vez conceptuales y funcionales, hechas con tintes derivados de plantas de las montañas Wuyi (en la provincia de Fujian, donde creció Chen Wang), y telas chinas inspiradas en la ropa que usaba su madre. Su estilo personal coincide con el de la marca, un multiwear versátil entre técnico-deportivo y prendas sastre. «A menudo llevo un traje bonito y zapatillas deportivas. Estoy siempre en movimiento, hago muchas cosas al mismo tiempo y necesito que mi ropa haga lo mismo". Sus colecciones presentan piezas andróginas, caracterizadas por siluetas esculturales, a veces de gran tamaño, drapeados en 3D y volúmenes casi arquitectónicos que desafían los límites entre la ropa clásica de hombre y mujer. Cada desfile para Feng es también una oportunidad para dejar la vara más alta y afirmar su lugar en el sistema. “Se está volviendo más inclusivo y estoy feliz de ser parte de ello, incluso si aun como diseñadora china todavía estoy buscando una representación. En la industria de la moda siempre hay obstáculos, pero también muchos cambios. El verdadero desafío será el consumismo en constante evolución, que cambia los hábitos de compra y disminuye la capacidad de atención y apreciación, con todos siempre buscando la próxima novedad”.
—Giulia Gilebbi
EMMA CHOPOVA Y LAURA LOWENA
Chopova Lowena
Aunque no sea por su nombre, las faldas plisadas policromadas de Chopova Lowena, los vaqueros jaspeados, los vestidos victorianos con flores y los collares objet-trouvé inmortalizados en fotografías de street style durante las principales semanas de la moda, están grabados en la mente de los amantes de la moda de todo el mundo. El imaginario que Emma Chopova y Laura Lowena-Irons han creado desde que nació la marca en 2017 está lleno de experimentos y vínculos con el folclore y la estética vintage montados con clips trepadores sobre cinturones de cuero con maxihebillas metálicas. Y si para algunos parece un ejercicio de moda DIY, para otros la referencia nos remonta a los gloriosos años 80 del punk de Westwood. El deseo de revertir una prenda histórica como el kilt escocés a partir de tejidos muertos e insertar componentes disruptivos fue un punto de partida. “A Laura siempre le ha gustado el arte con un enfoque conceptual, mientras que a mí me encanta el diseño de productos. A Laura le encantan los colores, a mí no tanto", dice Emma, “por eso también introdujimos vestidos negros con detalles metálicos", equilibrando así las dos almas de la marca: los orígenes angloamericanos de Lowena con los búlgaros de Chopova, dando vida a una armonía inusual entre el romanticismo folclórico, el valor punk y la deportividad dinámica. “Nos inspiramos en el uniforme escolar, en la ropa tradicional e histórica, la que se puede llevar en una mezcla de extrañeza y singularidad”, explica Laura. Una mezcla que está en el centro de lo que hace que la marca sea atractiva para un grupo heterogéneo de mujeres: desde Dua Lipa hasta Madonna, entre las primeras fans de esta marca que ven el valioso reciclaje como una nueva forma de lujo. “No queremos hacer ropa que sea simplemente desechable”, reitera Lowena. Y es por eso que en el Lyst Index 2022 la marca ascendió a lo más alto de las clasificaciones de búsquedas de compras online y de sitios de reventa, camino a convertirse en una para coleccionistas.
—Giorgia Cantarini
CECILIE BAHNSEN
Organza, tafetán, mangas abullonadas, sensualidad, pero también minimalismo. Cecilie Bahnsen reivindica su inclinación al romanticismo –“soy muy romántica, tanto en la creación de mi ropa como en la vida”–, creando siluetas a la vez esculturales e impalpables. La diseñadora danesa de 38 años deconstruye la forma tradicional yuxtaponiendo elementos contrastantes, uniendo un diseño fantasioso y opulento a su firma: el sentido práctico. “Mi interpretación de la ropa femenina combina elementos de la alta costura con una sensibilidad hacia la vida cotidiana, con prendas adecuadas para el movimiento. Para que las mujeres se sientan cómodas, fuertes e independientes”. Formada en la Danish Design School, comenzó como asistente de Anja vang Krag y fue vestuarista del Royal Danish Teatre, y después de graduarse en 2007 aterrizó en Dior bajo el liderazgo de John Galliano. En 2010 asistió al Royal College of Art de Londres y al año siguiente inició su colaboración con Erdem Moralioglu, la que dejó para crear su marca en 2015, en Copenhague. “Los detalles y la dedicación a la artesanía son la inspiración que extraigo de Londres y París, sin olvidar su poesía. Aunque, por supuesto, siempre fusionando esa sensación de tranquilidad típica de la cultura escandinava”. En la cultura danesa el concepto de compartir es muy fuerte. A través de materiales y atención al detalle, “mi objetivo es desarrollar un mundo de prendas que puedan conservarse durante años, pasarse entre amigas o entre madre e hija, reinterpretarse y rediseñarse para expresar la individualidad de cada una”. Amada por novias y mujeres embarazadas (y "por una gran clientela
masculina"), Cecilie Bahnsen –quien en 2017 fue finalista del premio LVMH y en 2018 entró en el Dover Street Market–, pronto amplió los límites de su trabajo con el calzado. Y las colaboraciones con Asics, Suicoke y Hereu se han convertido en auténticos momentos de culto.
—Alessandro Viapiana
DILARA FINDIKOGLU
Si Alexander McQueen y Vivienne Westwood hubiesen tenido un heredero habría sido la turco-británica Dilara Findikoglu. La influencia victoriana, la sastrería gótica, la lencería expuesta y el espíritu de rebelión punk son sus elementos recurrentes. Graduada en 2015 de Central Saint Martins, no fue incluida en el desfile grupal de fin de año, pero eso no le impidió organizar sus propios desfiles estilo guerrilla en la capital inglesa. El espíritu anárquico es lo que caracteriza a sus espectáculos: la primera colección se presentó en un club de striptease, la segunda en una iglesia, en lo que un crítico norteamericano definió como una "orgía satánica". Desde su lanzamiento en 2016 ha ganado numerosos premios, incluyendo el Fashion Scout Merit Award en 2017 y la selección para el premio LVMH el mismo año, mientras que sus obras se han expuesto en el Tate Modern y el V&A. Lady Gaga llamó a Findikoglu "la diseñadora del futuro" y Kanye West le pidió que diseñara un vestido para su entonces esposa Kim. Lo que hace de Findikoglu una figura especial en el panorama de la moda dominado por los hombres es el componente feminista, testigo de quienes han vivido de primera mano las tendencias más extremas del patriarcado. Desde la colección F/W 2023, titulada No Man’s Territory, hasta las protestas en Irán por el asesinato de Mahsa Amini que desembocaron en un desfile onírico e inquietante. “La forma en la que se cortaban el pelo en la calle me inspiró”, dice Findikoglu. “Todo era tan poderoso. Tomé el cabello y lo convertí en blusas, bralettes y bustiers trenzados alrededor de los senos y la cintura para que ahora los usen como quieran”. Para ella, el límite entre lo sagrado y lo profano tiene aristas difuminadas, mientras en su estilo se leen la influencia islámica, la exótica a lo Mata Hari y una aproximación al cuerpo que reivindica la libertad de expresión. La musa de la nueva colección es Juana de Arco, envuelta en un vestido largo de alta costura cubierto por cuchillos. “Si la mujer viste ropa sexi es prostituta, pero si viste ropa de niño, se quema. Luego, recupera su cuerpo. No soy una chica típica, y ¿qué es una chica típica de todos modos? No sé qué significa eso”.
—Giorgia Cantarini
CATERINA RAVAGLIA
Kate Cate
Kate Cate se lee en inglés, pero su fundadora es muy italiana, la modelo Caterina Ravaglia, de 29 años. Caterina modela en las pasarelas de todo el mundo desde que tenía 15 años, y fue entre bastidores y en oficinas de diseñadores donde aprendió muchas de las nociones que luego aplicó a su marca fundada en 2017. Ravaglia también es licenciada en Comunicación en la Universidad Estatal de Pensilvania. “Estos dos mundos me dieron la fuerza para iniciar mi proyecto; al principio incluso con cierta modestia, porque empezamos haciendo solo cinturones”. Y sus cinturones de vaquero de alta costura se han usado en todas partes en los últimos dos años, tanto por las it girls de Hollywood como Margot Robbie, Anne Hathaway, Gigi Hadid o Khloe Kardashian, como también por locales como Victoria y Damiano de Måneskin. Accesorios para ella y para él con un toque glam rock, una referencia al estilo británico de Kate Moss. Para Caterina, la mujer Kate Cate “es un poco Bianca Jaggery un poco Patty Pravo. Una mujer que hace lo que quiere pero que también sabe ser bon ton". Todo empezó con un cinturón: "Es sencillo porque puede transformar un look de día en uno de noche y ocupa muy poco espacio en la maleta". El más famoso sigue siendo el cinturón Regina, uno de los primeros. “Quería marcar la cintura de las mujeres. Yo misma la acentué, y con papel, bolígrafo y plantillas en mano hice muchas pruebas hasta que salió perfecto”. Incluso hoy, después de seis años, la producción sigue siendo uno de los aspectos fundamentales: todos los modelos se fabrican en Toscana con la técnica del curtido vegetal, que prescinde de metales pesados y evita grandes consumos de agua para su eliminación, con cuero procedente de residuos de la industria alimentaria. Elección responsable también para los envases sin plástico, realizada después que Caterina trabajara durante más de un año en una empresa de bioplásticos. Y el futuro de Kate Cate está en el calzado. “Quiero hacer esto con mi vida. Es un objeto complejo que me permite realizarme”.
—Giulia Gilebbi